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김민 기자

동아일보 문화부

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세계 속 사람들의 이야기를 전하는 국제부 기자입니다. 예술가의 이야기를 따로 모아 뉴스레터 '영감 한 스푼'으로 전하고 있습니다.

kimmin@donga.com

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2026-01-08~2026-02-07
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  • 광활한 돔에 ‘철인’ 7명뿐…안도와 곰리가 만든 강원도 ‘명상 정원’

    텅 빈 공간이 눈 앞에 펼쳐져 있다고 상상해 보자. 아무것도 없는 고요한 공간은 평온함을 자아낸다. 그런데 여기 사람 형상이 등장하는 순간 긴장감이 생긴다. 저 사람은 누구이고 왜 여기에 있을까. 말을 걸어도 안전한 존재일까, 아니면 경계해야 할까.일본 출신 건축가 안도 다다오와 영국 출신 조각가 안토니 곰리가 텅 빈 동굴에 7명의 ‘철인’을 가져다 놓았다. 두 사람이 협업한 전시 공간 ‘GROUND(그라운드)’ 이야기다. 강원 원주시 뮤지엄 SAN(뮤지엄산)에서 개관하는 ‘그라운드’는 곰리의 작품을 소개하는 상설 전시관. 20일 개관하는 이곳을 하루 전 먼저 둘러봤다. ● 바위 대신 철인 놓은 ‘명상 정원’‘그라운드’는 내부 직경 25m에 천고는 7.2m에 이른다. 이탈리아 로마 판테온의 4분의 3 규모에 이르는 웅장한 공간이다. 안도가 리모델링한 프랑스 파리 부르스 드 코메르스를 떠오르게 하는 돔 형태 지붕이 특징. 동굴 끝에는 입을 벌린 듯 창이 나 있고, 이곳으로 산의 능선이 보인다.이렇게 광활한 공간 속에 곰리는 인물 철조각 연작 ‘Ground’ 7점을 놓았다. 뿔뿔이 흩어져 혼자만의 세계에 갇힌 듯 우뚝 서 있거나, 앉거나, 누워있는 작품들. 곰리는 공간에 무게를 더하는 ‘닻’이라고 설명했다.“(철 벽돌을 쌓은 무거운 조각을 놓은 이유는) 거대한 덩어리가 필요했기 때문입니다. 이 덩어리가 닻 혹은 에너지를 불어넣는 배터리로 작동하길 바랐어요. 일본 교토 료안지(龍安寺)의 바위 정원에 있는 15개 돌처럼 생각이 머무는 기둥이 되는 거죠.”료안지 바위 정원은 어떤 방향에서 봐도 전체 15개를 한번에 볼 수 없도록 설계돼 인간 인식의 한계를 깨닫게 한다. 곰리와 안도의 ‘그라운드’도 이처럼 생각에 잠기도록 만든 ‘명상 정원’이라 할 수 있다. 차이는 돌 대신 사람을 놓았다는 점이다. 돌은 그저 바라보는 ‘대상’이지만, 사람은 관객처럼 무언가를 느끼고 말한다. 관객은 조각이 사람인 듯 감정 이입하며 옆에 앉아 사진을 찍으며 관계를 맺는다.곰리는 “나의 작품은 물질의 형태(조각)로 만든 질문”이라며 “그에 대한 답은 각자의 마음속에 있다”고 했다. 안도는 영상 메시지를 통해 “작품을 바라보면 인간은 어떻게 살아가고 죽는가, 생명의 근원은 무엇인가 본질적인 질문을 던지게 된다”며 “이 작품이 앞으로 100년, 200년 후에도 남아 있을 거라 생각하니 벅차오른다”고 밝혔다.● 또 하나의 우주, 몸곰리는 영국 게이츠헤드에 강철과 콘크리트로 만든 500톤 조각인 ‘북방의 천사’, 런던 뉴욕 상파울루 등 대도시 고층 빌딩 옥상에 설치한 인체 조각 ‘사건의 지평선’ 등으로 세계적인 유명세를 떨쳤다. 인간의 몸과 그것이 주변과 갖는 관계를 탐구한다. 그는 이날 간담회에서도 “우리의 몸은 돌보아야 하는 애완동물이 아니라 독자적인 기관이자 미지의 우주”라며 “인류가 스크린에 지배돼 잃고 있는 동물적 감각을 되찾아야 하고, 인간성을 되찾는 마지막 보루가 예술이라 믿는다”고 강조했다.그런 곰리의 또 다른 조각 연작 ‘경계의 영역’과 드로잉 및 판화 연작 ‘몸과 영혼’, 대형 공간 설치 작품 ‘오르빗 필드 II’도 뮤지엄산에 전시된다. 이 작품들은 청조갤러리 전관(1·2·3관)에서 펼쳐진다. 조각 7점, 드로잉 및 판화 40점, 설치작품 1점으로 구성된 곰리 개인전이다. 특히 ‘오르빗 필드 II’는 허공에 대고 드로잉을 한 듯 전시장 전체에 스틸 원형 구조물을 가득 채워 눈길을 끈다. 관객은 철로 만든 드로잉 사이를 지나다니며 작품의 일부가 된다. 이 전시는 11월 30일까지 열린다.원주=김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-19
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  • 조선으로 배경 옮긴 셰익스피어 ‘십이야’

    무대는 조선시대 ‘농머리(인천 중구 삼목선착장 일대) 해안’. 황해도 민요 ‘사설난봉가’와 함께 막이 오르면 서린 아씨, 오사룡, 미언, 마름, 북쇠 등 인물이 등장한다. 한복을 변형한 옷을 입은 인물들이 대사를 하고 움직일 때마다 북, 꽹과리, 징 같은 악기가 효과음을 내며 리듬감을 준다. 여기까지 들으면 분명 마당놀이나 탈춤으로 짐작할 터. 하지만 이 작품은 셰익스피어 5대 희극 중 하나인 ‘십이야’를 원작으로 만든 국립극단 연극이다. 임도완 연출이 각색·연출을 맡아 지난해 대전예술의전당에서 초연했던 ‘십이야’가 12일 서울 중구 명동예술극장에서 개막했다. 이 연극은 일란성 쌍둥이 남매를 중심으로 벌어지는 네 남녀의 사랑을 이야기한 셰익스피어 원작의 서사를 그대로 가져왔다. 그 대신 배경을 농머리로 바꾸고, 배가 난파돼 이곳에 떠내려온 쌍둥이 남매의 고향은 경북 포항 구룡포로 설정했다. 경상도와 충청도 사투리 대사를 활용한 웃음 포인트와 한옥을 모티브로 만든 무대 배경, 각종 소품을 이용해 장면을 전환하는 무대 연출 덕에 작품은 전통극처럼 여겨진다. 전 회차 객석을 ‘열린 객석’으로 운영해 마당극 같은 편안한 분위기를 유도한 것도 특징. 열린 객석이라 조명을 어둡지 않게 유지하며, 공연 중 자유롭게 입장과 퇴장도 할 수 있다. 관객이 어느 정도 소리를 내거나 움직여도 제지하지 않는다. 자폐 스펙트럼이나 발달장애인, 어린이 등도 편히 이용하도록 했다. 공연 전후는 물론이고 중간에도 별도 쉼터를 이용할 수 있고, 현장엔 대본을 비치해 볼 수 있다. 배우들은 관객의 박수나 호응을 유도해 흥겨운 분위기를 연출한다. 15일 공연에서도 혼자 크게 웃음을 터뜨린 관객에게 배우가 즉석에서 응수하며 한 번 더 큰 웃음이 터지기도 했다. 임 연출은 “(지난해 연극) ‘스카팽’ 때 객석 조명이 어둡지 않았는데, 배우들이 관객과 눈을 마주치며 호흡하는 게 느껴져 좋았다”며 “이번 ‘십이야’ 공연도 열린 마음으로 많이 보러 와 주시면 좋겠다”고 말했다. ‘십이야’는 명동예술극장에서 다음 달 6일까지 공연한 뒤 제주, 김포, 창원, 부산을 순회공연한다.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-19
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  • 농머리 해안서 한복입고 펼치는 ‘조선판 셰익스피어’ 구경가볼까

    무대는 조선시대 ‘농머리(인천 중구 삼목선착장 일대) 해안.’ 황해도 민요 ‘사설난봉가’와 함께 막이 오르면 서린 아씨, 오사룡, 미언, 마름, 북쇠 등 인물이 등장한다. 한복을 변형한 옷을 입은 인물들이 대사를 하고 움직일 때마다 북, 꽹과리, 징 같은 악기가 효과음을 내며 리듬감을 준다. 여기까지 들으면 분명 마당놀이나 탈춤으로 짐작할 터. 하지만 이 작품은 셰익스피어 5대 희극 중 하나인 ‘십이야’를 원작으로 만든 국립극단 연극이다. 임도완 연출이 각색∙연출을 맡아 지난해 대전예술의전당에서 초연했던 ‘십이야’가 12일 서울 중구 명동예술극장에서 개막했다.이 연극은 일란성 쌍둥이 남매를 중심으로 벌어지는 네 남녀의 사랑 이야기한 셰익스피어 원작의 서사를 그대로 가져왔다. 대신 배경을 농머리로 바꾸고, 배가 난파돼 이곳에 떠내려온 쌍둥이 남매의 고향은 경북 포항 구룡포로 설정했다. 경상도와 충청도 사투리 대사를 활용한 웃음 포인트와 한옥을 모티브로 만든 무대 배경, 각종 소품을 이용해 장면을 전환하는 무대 연출 덕에 작품은 전통극처럼 여겨진다.전 회차 객석을 ‘열린 객석’으로 운영해 마당극 같은 편안한 분위기를 유도한 것도 특징. 열린 객석이라 조명을 어둡지 않게 유지하며, 공연 중 자유롭게 입장과 퇴장도 할 수 있다. 관객이 어느 정도 소리를 내거나 움직여도 제지하지 않는다. 자폐 스펙트럼이나 발달장애인, 어린이 등도 편히 이용하도록 했다. 공연 전후는 물론 중간에도 별도 쉼터를 이용할 수 있고, 현장엔 대본을 비치해 볼 수 있다.배우들은 관객의 박수나 호응을 유도해 흥겨운 분위기를 연출한다. 15일 공연에서도 혼자 크게 웃음을 터뜨린 관객에게 배우가 즉석에서 응수하며 한 번 더 큰 웃음이 터지기도 했다. 임도완 연출은 “(지난해 연극) ‘스카팽’ 때 객석 조명이 어둡지 않았는데, 배우들이 관객과 눈을 마주치며 호흡하는 게 느껴져 좋았다”며 “이번 ‘십이야’ 공연도 열린 마음으로 많이 보러 와 주시면 좋겠다”고 말했다. ‘십이야’는 명동예술극장에서 다음 달 6일까지 공연한 뒤 제주 김포 창원 부산을 순회공연한다.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-18
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  • ‘가을풀무늬’의 애잔함… 4가지 시선으로 본 일본미술

    일본 도쿄국립박물관의 주요 소장품이 포함된 특별전 ‘일본 미술, 네 가지 시선’이 17일 서울 용산구 국립중앙박물관에서 개막한다. 도요토미 히데요시의 차 스승으로 유명한 센노 리큐(1522∼1591)의 찻물 항아리 ‘시바노이오리’부터 에도 시대 유명 화가인 오가타 고린(1658∼1716)이 직접 무늬를 그린 옷 ‘가을풀무늬 고소데’ 등을 만나볼 수 있다. 국립중앙박물관 상설전시관에서 열리는 이번 전시는 한일 국교 정상화 60주년을 맞아 국립중앙박물관과 도쿄국립박물관의 소장품 62점을 한자리에 모았다. 도쿄국립박물관은 ‘가을풀무늬 고소데’, ‘시바노이오리’와 ‘마키에 다듬이질 무늬 벼루 상자’, 전통 공연예술인 노(能)에 사용된 ‘샤쿠미 가면’ 등 일본 중요 문화재 7점을 포함해 40점을 출품했다. 국립중앙박물관 소장품 22점은 대부분 2000년대 이후 수집한 미술품이다. 전시는 이들 미술품을 4가지 주제로 나눠 일본 미술의 특징을 조명한다. △장식 △절제 △아와레(あはれ·자연의 섬세한 변화에 대한 감동) △아소비(遊び·유쾌하고 재치 있는 미적 감각) 등이다. 장식과 절제는 미술품 외형에 집중해 화려한 장식이 특징인 조몬 토기, 채색 자기, 금박 병풍부터 이와 반대로 투박한 다도 도구와 센노 리큐로 대표되는 소박한 다도 문화, 간결한 멋의 칠기나 옷을 소개한다. 센노가 갖고 있었던 물 항아리와 ‘와비(わび·소박함)’ 미의식을 상징하는 라쿠 찻잔 ‘아마데라’ 등을 볼 수 있다. 하이라이트는 일본 미술 특유의 정서를 다룬 ‘아와레’와 ‘아소비’ 전시다. 아와레는 피고 지는 벚꽃, 습기가 가득한 밤공기, 붉게 물든 나뭇잎과 기울어진 그림자 등 자연의 변화 앞에서 인생의 덧없음을 느끼며 오는 애잔함과 감동 등 복합적 감정을 뜻한다. 우리나라의 ‘한’처럼 한마디로 설명하기 어려운 감정이다. 미술에서는 바람에 흔들리는 ‘가을풀무늬’로 이를 표현했다.‘가을풀무늬’가 부드럽게 찰랑이는 모습을 담은 금박 병풍과 두루마기 옷 ‘고소데’, 가을풀이 무성한 마당을 앞에 두고 다듬이질하는 사람들을 새긴 벼루 등을 ‘아와레’ 전시에서 볼 수 있다. 또 ‘아와레’ 정서를 담은 문학 작품 ‘겐지모노가타리’와 전통 공연 ‘노’에 사용된 옷과 가면도 전시됐다. 마지막 ‘아소비’ 전시에선 각종 풍속과 명소 풍경을 담은 다색 목판화 ‘우키요에’, 먹의 번짐과 즉흥성을 활용해 자유로운 회화 세계를 펼친 이토 자쿠추의 ‘수묵유도권’ 등을 감상할 수 있다. 전시 기간 중인 다음 달 16일에는 박물관 소강당에서 ‘아와레’ 정서와 ‘겐지모노가타리’에 담긴 일본의 미의식을 주제로 한 전문가 강연도 열린다. 8월 10일까지.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-17
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  • 흔들리는 ‘가을풀무늬’가 일으키는 애잔함…일본미술을 보는 네 가지 시선

    일본 도쿄국립박물관의 주요 소장품이 포함된 특별전 ‘일본 미술, 네 가지 시선’이 17일 국립중앙박물관에서 개막했다. 도요토미 히데요시의 차 스승으로 유명한 센노 리큐(1522~1591)의 찻물 항아리 ‘시바노이오리’부터 에도 시대 유명 화가인 오가타 고린(1658~1716)이 직접 무늬를 그린 옷 ‘가을풀무늬 고소데’ 등을 만나볼 수 있다. 국립중앙박물관의 상설전시관 306호에서 열리는 이번 전시는 한일 국교 정상화 60주년을 맞아 국립중앙박물관과 일본 도쿄국립박물관의 소장품 62점을 한 자리에 모았다. 도쿄국립박물관은 ‘가을풀무늬 고소데’, ‘시바노이오리’와 ‘마키에 다듬이질 무늬 벼루 상자’, 전통 공연예술인 노(能)에 사용된 ‘샤쿠미 가면’ 등 일본 중요문화재 7점을 포함해 40점을 출품했다. 국립중앙박물관 소장품 22점은 대부분 2000년대 이후 수집한 미술품이다.전시는 이들 미술품을 4가지 주제로 나눠 일본 미술의 특징을 조명한다. ▲장식 ▲절제 ▲아와레(あはれ∙자연의 섬세한 변화에 대한 감동) ▲아소비(遊び∙유쾌하고 재치 있는 미적 감각) 등이다. 첫 두 주제는 미술품의 외형에 집중해 화려한 장식이 특징인 조몬 토기, 채색 자기, 금박 병풍부터 이와 대조되는 투박한 다도 도구와 센노 리큐로 대표되는 소박한 다도 문화, 간결한 멋의 칠기나 옷을 소개한다. 센노가 갖고 있었던 물 항아리와 ‘와비’(소박함) 미의식을 상징하는 라쿠 찻잔 ‘아마데라’ 등을 볼 수 있다.전시의 하이라이트는 일본 미술 특유의 정서를 다룬 ‘아와레’와 ‘아소비’ 전시장이다. 아와레는 피고 지는 벚꽃, 습기가 가득한 밤공기, 붉게 물든 나뭇잎과 기울어진 그림자 등 자연의 변화 앞에서 인생의 덧없음을 느끼며 오는 애잔함과 감동 등 복합적 감정을 뜻한다. 우리나라의 ‘한’처럼 한 마디로 설명하기 어려운 감정으로, 미술에서는 바람에 흔들리는 ‘가을풀무늬’로 이를 표현했다. 이 ‘가을풀무늬’가 부드럽게 찰랑이는 모습을 담은 금박 병풍과 두루마리 옷 ‘고소데’, 가을풀이 무성한 마당을 앞에 두고 다듬이질하는 사람들을 마키에로 새긴 벼루 등을 ‘아와레’ 전시장에서 볼 수 있다. 또 ‘아와레’ 정서를 담은 문학 작품 ‘겐지모노가타리’와 전통 공연 ‘노’에 사용된 옷과 가면도 전시됐다. 마지막 ‘아소비’ 주제는 각종 풍속과 명소 풍경을 담은 다색 목판화 ‘우키요에’, 먹의 번짐과 즉흥성을 활용해 자유로운 회화 세계를 펼친 이토 자쿠추의 ‘수묵유도권’ 등을 감상할 수 있다. 전시 기간 중인 7월 16일에는 박물관 소강당에서 ‘아와레’ 정서와 ‘겐지모노가타리’에 담긴 일본의 미의식을 주제로 한 전문가 강연이 열린다. 전시는 8월 10일까지.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-16
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  • 애착 물건-상품들이 보여주는 개인의 정체성

    어떤 사람들은 자기의 취향을 형용사가 아닌 누구나 알 만한 브랜드로 말하는 데 익숙하다. 간편하게 자극을 느낄 수 있는 음식을 좋아하고, 사람들을 초대해 왁자지껄 떠드는 걸 즐기며, 진지함보다는 장난스러운 재미를 간직하고 싶은 사람을 설명한다면? 프링글스, 발베니, 할리갈리, 스팸 통조림, 그리고 카우스 피규어. 화가 정수영이 음식이나 생활용품을 수납하는 팬트리로 그린 주변 사람들의 초상인 ‘팬트리 연작’을 서울 종로구 학고재 갤러리에서 공개했다. 지난달 28일 개막한 전시는 신작인 ‘팬트리’ 연작을 포함한 회화 30여 점을 전시한다. 전시장에서는 과자, 와인과 치즈 올리브, 샴페인과 위스키부터 곤충까지 온갖 물건들이 놓인 팬트리를 구경할 수 있다. 이 작품들은 작가가 주변 사람들에게 개인적인 수납공간을 보여 달라고 한 다음, 이것을 토대로 회화적 언어로 재구성한 것이다. 전시장 입구에는 여행 가방이 놓인 가운데 발끝이 살짝 보이는 작품 ‘내향인’(Introvert)이 걸려 있다. 사람이 등장하지 않는 가운데 누군가의 말이나 행동보다 그 사람이 갖고 있는 ‘물건’으로 취향과 정체성을 파악하는 소비 사회의 단면이 읽힌다. 전시 제목은 ‘초대받고 싶지만, 참석하고 싶지 않아’(I want to be invited, but I don’t want to attend). 28일까지.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-16
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  • [책의 향기]“의료 사고, 美 사망 원인 3위… 진료 체크 리스트 지키자”

    의료 사고는 절대 가볍지 않은 문제다. 의료진의 순간적 실수는 환자 한 사람의 생명을 넘어 가족의 인생까지 뒤흔들 수 있다. 30년 차 현역 내과 의사가 쓴 이 책은 의료 사고가 초래하는 고통을 묘사하는 동시에, 사고의 원인을 단지 의료진 개개인에게서 찾지 말고 의료 시스템과 문화가 얽힌 복합적 문제로 봐야 한다고 지적한다. 도입부부터 충격적이다. “이게 정말 사실인가요?”라는 문장으로 시작한 뒤 “미국 전체 사망 원인 중 세 번째가 의료 사고”라는 연구 결과를 소개한다. 특히 여기에 저자의 인간적 시선을 더한 것이 매력적이다. 의료 사고에 관한 역사적인 연구나 조치를 소개하면서 의사인 본인의 경험을 담아 공감의 여지를 더한다. 의대 3학년 때 밤늦은 시간 수술을 돕다가 외과 의사의 바늘에 손가락을 찔렸는데, 권위적인 학교 문화 때문에 말도 하지 못하고 몇 달 동안 끙끙 앓았다는 이야기를 풀어내는 식이다. 의료 현장의 혼란스러운 하루하루도 생생하게 소개한다. 책이 묘사하는 병원에는 의료진 1명이 40명이 넘는 환자를 혼자 챙기거나, 전자 기록 시스템이 다운되고, 간호사는 부족한데 피곤한 인턴들이 가득하다. “환자 한 명에게 주어지는 몇 분 안에 진단 가능성이 희박한 모든 잠재적인 병명까지 고려해 환자에게 소견을 이야기해야 하는” 식이다. 이러한 병원의 이면을 보지 못했던 독자는 “정말 이런 일이 일어날 수 있나” 하는 의아함과 놀라움으로 책을 읽게 된다. 미국에서 제때 올바른 치료를 받지 못해 사망한 백혈병 환자 제이와 화상 환자 글렌의 이야기는 적지 않은 울림이 있다. 환자와 가족이 겪는 고통과 무력감, 의료진의 죄책감과 혼란을 함께 느끼며 공감할 수 있다. 저자는 의료 사고의 복합적인 원인을 분석하는 한편 실질적인 대책도 제안한다. 의료진이 지켜야 할 ‘체크 리스트’ 도입, 의료기록의 전자화와 접근성 개선 등이다. 책 마지막엔 환자와 가족이 자신을 보호할 수 있는 실질적인 조언도 정리했다. 궁극적으로 강조하는 것은 의료 문화의 변화와 환자와 의료진 간의 신뢰 회복이다.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-14
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  • 수북한 산딸기가 마음을 울릴 때 [영감 한 스푼]

    새빨간 산딸기가 산처럼 쌓여 있습니다.제철을 맞아 물이 오른 산딸기가 그득한 바구니 아래 종이처럼 하얀 카네이션 두 송이가 놓여 있네요.흰 카네이션이 조명처럼 밝혀주는 ‘산딸기 산’은 촉촉한 윤기로 반지르르 빛이 납니다.하나 꺼내어 입에 넣으면 새콤한 맛이 팡팡 터질 것 같은 광경.작가는 이 그림을 보고 나도 모르게 입안에 침이 고일 사람들의 마음을 알아차렸는지 유리잔에 물을 담아 그려 놓았습니다.보는 사람의 몸과 마음을 움직이는 그림, 프랑스 화가 장 바티스트 시메옹 샤르댕(1669~1779)의 ‘산딸기 바구니’입니다.일상의 감칠맛을 담은 화가샤르댕은 18세기 프랑스 화가로 동물과 과일을 소재로 한 정물화로 인정을 받기 시작했습니다.솜씨가 좋은 목수의 아들로 태어난 샤르댕은 소박한 환경에서 자랐지만 평생 대부분을 파리에서 보냈습니다.그런 그가 그림에 담은 것은 일상에서 누구나 발견하는 과일이나 컵, 물병 같은 물건들 혹은 부르주아나 노동 계층의 삶 속 순간을 담은 풍속화였습니다.당시 프랑스 미술계에서 정물화는 실력이 낮은 화가들이 그리는 것으로 여겨졌습니다. ‘살롱전’을 통해 화가들에게 상을 주고 일할 기회를 줬던 권력 기관인 아카데미는, 가장 높은 점수를 받은 화가에게 역사화나 초상화를 맡겼습니다.그 다음이 정물화나 풍경화였죠. 그럼에도 샤르댕은 이례적으로 아카데미 정식 회원으로 인정받고 왕실과 귀족 컬렉터들에게 사랑을 받았습니다.그 비결, 산딸기 그림처럼 샤르댕의 정물은 무언가 달랐기 때문입니다. 정물화가 인기를 끌었던 네덜란드의 그림 속 화려한 위세를 뽐내는 총천연색 화병이나 테이블 위에 가득한 온갖 음식들의 탐스러운 모습에 비교하면 샤르댕이 그린 물건들은 소박하기 짝이 없습니다.투명한 유리잔과 마늘 몇 알, 갈색 도자기 물병이 전부인 그림도 있고요.그림 한가운데 삭힌 홍어가 축 늘어져 있고, 이 흐름이 테이블에 툭 하고 걸친 리넨 천으로 이어지는 경우도 있습니다.다시 말해 샤르댕의 정물은 탐스럽고 화려한 무언가를 자랑하기보다는, 그림 속에서 각기 다른 질감을 부딪치게 만들며 리듬을 만들고 한 편의 음악처럼 생기를 불어넣습니다.가벼운 유리잔과 무거운 도자기, 냄새 나는 홍어와 깨끗한 리넨, 그 옆에 꼬리를 바짝 세운 새끼 고양이처럼 말이죠.이런 샤르댕의 표현 방식을 저는 ‘일상의 감칠맛’이라고 느낍니다. 샤르댕을 좋아하며 자주 언급했던 소설가 마르셀 프루스트도 이런 말을 남겼습니다.“샤르댕의 그림을 보기 전까지 나는 부모님 집의 반쯤 치워진 식탁, 흐트러진 식탁보 한 귀퉁이, 빈 굴 껍데기 옆에 놓인 칼 같은 곳에 얼마나 많은 아름다움이 숨어 있는지 몰랐다.”마음을 뒤흔드는 산딸기샤르댕의 정물화는 현대로 와서 더 많은 사랑을 받고 있습니다.특히 산딸기 그림은 2022년 프랑스 파리의 한 경매에서 예상가를 훌쩍 뛰어넘은 2400만 유로(약 376억 원)에 낙찰됐는데요.낙찰자가 미국 미술관이란 사실이 알려지면서 프랑스 정부가 그림 반출을 막아 뉴스가 되기도 했습니다.이후 루브르박물관이 대중 모금을 받아 2년 만에 그림 대금을 마련했고, 지난해 초 산딸기 그림을 매입하면서 이 그림은 프랑스에 남았습니다.18세기 사람들이 보면 “‘루이 14세 초상’도 아니고, ‘예수의 탄생’도 아닌 고작 산딸기 그림에 376억 원이라니!” 하고 놀랐을까요?물론 루이 14세 초상이나 유명 화가가 그린 종교화가 지닌 역사적 가치가 훨씬 높지만, 산딸기 정물이 그에 버금가는 대중적 명성을 갖고 대접받게 된 현상은 흥미롭습니다.작품의 가치를 결정하는 것은 그것의 ‘내용’이 아니라, 그 작품이 얼마나 많은 사람의 마음과 ‘연결’돼 있느냐고, 이 ‘연결’에 따라 작품의 가치가 달라지기도 한다는 것을 보여주기 때문입니다.역사화나 왕실 초상화가 높은 가치를 지닌다고 여겼던 과거의 사람들은 전쟁이나 영웅 서사 같은 커다란 사건과 인물이 세상을 움직인다고 생각했습니다.또 아카데미 심사위원들이 ‘살롱전’이 열릴 때 심사해서 좋다고 선정한 작품이 절대적으로 가치가 있는 작품이라고 받아들였고요. 그런데 사회가 바뀌고 개인마다 각자의 가치관을 지니게 되면서, 그 기준은 달라집니다.프루스트는 소설 ‘잃어버린 시간을 찾아서’에서 주인공이 마들렌을 차에 적셔 먹다 어린 시절 기억이 무의식적으로 되살아나는 경험을 중요하게 묘사하죠.샤르댕과 프루스트 같은 예술가들은 개인의 삶에선 전쟁이나 영웅보다 내 눈앞에 놓여 있는 새콤한 산딸기 하나가 더 크게 마음을 뒤흔들 수 있다는 걸 보여주고 있습니다.흔히 화가는 그림을 잘 그리는 사람이라 생각하기 쉽지만, 사실은 ‘마음을 흔드는’ 예술가가 수백 년 전부터 성공하고 귀한 대접을 받아왔습니다.산딸기를 카메라가 기록한 듯 꼼꼼하고 충실하게 표현하는 것만으로는 충분하지 않다는 이야기입니다. 오히려 그림을 통해 생생한 ‘마음’을 느끼게 만드느냐가 중요하죠.흰 카네이션과 유리잔이 산딸기의 촉촉한 질감을 극대화하는 샤르댕의 그림을 보는 사람은 “아 저건 산딸기네”라고 하는 게 아니라, “저 산딸기 정말 먹음직스럽다”고 군침을 흘립니다.샤르댕의 ‘산딸기 바구니’를 프랑스의 소중한 문화유산으로 만든 건 이렇게 딸기 하나로 뒤흔들린 여러 사람의 ‘마음’입니다.※ ‘영감 한 스푼’은 예술에서 볼 수 있는 다양한 창의성의 사례를 중심으로 미술계 전반의 소식을 소개하는 뉴스레터입니다. 매주 목요일 아침 7시 발행됩니다.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-13
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  • “앞이 안 보여 막막할 때 하늘은 보여 감사했죠”

    1985년 어느 날. 사진 속 좁은 분장실엔 ‘스물여덟 살’ 청년이 앉아 있다. 꽉 찬 스케줄로 쉴 새 없이 달리던 시절. 공연이 끝나고 녹초가 된 몸을 의자에 구겨 넣고 쉬는 모습. 배우 송승환(68)은 40년 전 자신의 사진을 크게 프린트해 서울 종로구 후지시로 세이지 북촌스페이스에 걸었다. 당대 최고의 MC이자 라디오 DJ였고, 이후 공연 제작자로도 승승장구한 그가 예인(藝人)으로 산 60년을 돌아보는 전시 ‘나는 배우다, 송승환’(22일까지)을 위해서였다. 개막 하루 전인 10일 전시장에서 만난 송 배우는 여러 감정이 교차하는 듯했다. 1965년 아역 성우로 데뷔해 1969년 동아연극상에서 역대 최연소로 특별상을 받으며 줄곧 스타였던 인생. 길고 긴 세월이 담긴 3000여 장의 사진 중에 150장을 추려 내며 그는 “20대 때가 가장 많이 생각났다”고 한다. “연극, 영화, 드라마, 쇼프로그램 MC까지 혼자 도저히 못 할 일들이 밀려들었어요. 그땐 제대로 된 매니저 시스템도 없었거든요. 고민 끝에 하루를 오전, 오후, 밤으로 3등분했습니다. 30일이 아니라 90일 동안 일하는 거라 여기니 조금 여유가 생겼어요.” 그래서일까. 언젠가부터 송 배우의 인생은 주어진 조건에서 불가능해 보이는 일을 현실로 만드는 시간이 줄곧 이어졌다. 2003년 ‘난타’의 한국 최초 브로드웨이 진출, 2018년 평창 겨울올림픽 개·폐회식 총감독 등 굵직한 사건이 적지 않다. 이런 기록을 전시와 동명의 책 ‘나는 배우다, 송승환’(뜨인돌)에 담아냈다. 책에서는 그가 눈물을 흘렸던 순간들도 털어놨다. 하나는 ‘난타’의 첫 해외 공연 날, 또 하나는 시력 악화(황반변성·망막색소변성증)를 알게 됐을 때다. “난타가 마침내 스코틀랜드 에든버러국제페스티벌 무대에 오르고 기립박수를 받을 때 눈물이 나더군요. 그다음은 눈이 나빠졌을 때예요. 여러 병원에 다녔는데 방법이 없다니 실망스러워 울음이 났습니다.” 송 배우는 모두가 난타의 해외 진출에 고개를 저었을 때도 배우, 스태프들과 끊임없이 의욕을 다지며 ‘공통의 꿈’을 현실로 만들었다. 바로 앞 사람조차 알아보기 힘들어졌을 때도 그는 굴복하지 않았다. 하룻밤 자고 일어나 “그래도 하늘은 보이니 감사한 일”이라며 다음 할 일을 찾았다고 한다. 그런 자기 인생을 송 배우는 “미리 대본을 읽었다면 (출연을) 거절했을 드라마”라고 했다. “제 인생은 우여곡절이 너무 많아 개연성과 리얼리티가 없어요. 나이 먹으면 힘들었던 일이 조금은 밝게 채색되잖아요. 굳이 과거의 힘든 순간을 전부 되살리고 싶진 않은 마음이죠.” 60년을 돌아보는 전시지만 송 배우는 따로 개막식도 개막 인사도 준비하지 않았다. 그저 매일 오후 전시장에 머물며 그간 출연·제작한 약 200편의 작품을 함께한 이들을 맞이하려 한다. ‘그래도 정리하는 한마디가 있으면 좋지 않겠느냐’는 질문에 “겨울에 공연할 거니까 보러 와, 이 한마디면 충분하다”고 했다. “이제 복잡한 건 제쳐 두고, 자신에게 좀 더 가까워질 수 있는 배우를 하다 죽고 싶다”는 그가 가장 애착을 가지는 역은 뭘까. 주저 없이 ‘유리동물원’의 톰과 ‘더 드레서’의 극단 대표 겸 노배우 선생님(Sir)을 꼽았다. “꿈이 많은데 가장 노릇을 하느라 집을 벗어나지 못했던 소년 톰. 마지막 공연은 윤여정 선배와 했는데 왠지 톰이 저를 닮아 세 번이나 맡았어요. 지금은 ‘더 드레서’의 노배우가 나와 비슷하다 느껴요.” 배우로서 자신의 인생이란 대본은 거절하고 싶다던 송 배우. 그럼 제작자라면 그의 삶은 어떤 공연으로 만들었을까. 그의 답은 단단하고 묵직했다. “글쎄요. 생각해 본 적은 없는데, 극적인 순간도 있긴 한데, 재미가 있을까요. (현실을 긍정하는 이야기?) 아마 그렇겠죠. (토니상을 받은) 뮤지컬 ‘어쩌면 해피엔딩’이 아니라 ‘확실한 해피엔딩’이 된다면 좋겠네요.”김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-13
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  • 파독 간호사 딸의 눈에 비친 한국의 모습

    빛이 바래고 벗겨진 사진처럼 그림 속 한복이 둥둥 떠 있다. 사진 속 여성은 빨간 치마를 펼쳐 보이며 포즈를 취했지만 그림 속에서 그는 희미한 흔적만 남았다. 배경엔 삼베 같은 질감만 도드라져 얼핏 동양화처럼 느껴지는 작품. 독일 베를린에서 활동하는 헬레나 파라다 김 작가의 신작 ‘베로니카’다. 한국인 어머니의 가족사진 앨범에서 발견한 사진들에서 얼굴을 지운 ‘한복’ 연작 중 하나다.김 작가의 개인전 ‘빛이 머무는 시간’이 서울 종로구 초이앤초이 갤러리에서 지난달 개막했다. 김 작가는 한국인 파독 간호사 어머니와 스페인인 아버지 사이에서 태어나 독일에서 자랐다. 아마추어 화가였던 아버지의 영향으로 어릴 때부터 유럽 전통 회화 기법을 배웠는데, 이를 한복이나 불화 등 한국적인 소재나 기법과 결합해 그림을 그리고 있다. 어머니가 동료 간호사들과 학 병풍 앞에서 찍은 단체 사진이나 함께 독일로 온 이모들의 모습에서 출발한 작품들을 감상할 수 있다.가장 큰 작품인 ‘스텔라 마리스’는 조선시대 신부의 혼례복인 활옷에 르네상스 시대 그림 속 ‘성모자’를 결합했다. 부부의 금실, 다산, 장수를 상징하는 봉황, 연꽃이 화려하게 수놓아진 활옷 한가운데 그려진 마리아와 아기 예수는 따뜻한 축복의 기운을 극대화한다. 28일까지.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-13
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  • 송승환 “60년 예인인생 두 번 울었죠… 난타 해외 첫공연, 그리고 시력 약화된날”

    1985년 어느 날. 사진 속 좁은 분장실엔 ‘스물여덟 살’ 청년이 앉아 있다. 꽉 찬 스케줄로 쉴 새 없이 달리던 시절. 공연이 끝나고 녹초가 된 몸을 의자에 구겨 넣고 쉬는 모습. 배우 송승환(68)은 40년 전 자신의 사진을 크게 프린트해 서울 종로구 후지시로세이지 북촌스페이스에 걸었다. 당대 최고의 MC이자 라디오 DJ였고, 이후 공연 제작자로도 승승장구한 그가 예인(藝人)으로 산 60년을 돌아보는 전시 ‘나는 배우다, 송승환’(22일까지)를 위해서였다.개막 하루 전인 10일 전시장에서 만난 송 배우는 여러 감정이 교차하는 듯했다. 1965년 아역 성우로 데뷔해 1969년 동아연극상에서 역대 최연소로 특별상을 받으며 줄곧 스타였던 인생. 길고 긴 세월이 담긴 3000여 장의 사진 중에 150장을 추려내며, 그는 “20대 때가 가장 많이 생각났다”고 한다.“연극, 영화, 드라마, 쇼프로그램 MC까지 혼자 도저히 못 할 일들이 밀려들었어요. 그땐 제대로 된 매니저 시스템도 없었거든요. 고민 끝에 하루를 오전, 오후, 밤으로 3등분 했습니다. 30일이 아니라 90일 동안 일하는 거라 여기니 조금 여유가 생겼어요.”그래서일까. 언젠가부터 송 배우의 인생은 주어진 조건에서 불가능해 보이는 일을 현실로 만드는 시간이 줄곧 이어졌다. 2003년 ‘난타’의 한국 최초 브로드웨이 진출, 2018년 평창 겨울올림픽 개∙폐회식 총감독 등 굵직한 사건이 적지 않다. 이런 기록을 전시와 동명의 책 ‘나는 배우다, 송승환’(뜨인돌)에 담아냈다. 책에는 그가 눈물을 흘렸던 순간들도 털어놨다. 하나는 ‘난타’의 첫 해외 공연 날, 또 하나는 시력 악화(황반변성·망막색소변성증)를 알게 됐을 때다. “난타가 마침내 스코틀랜드 에든버러국제페스티벌 무대에 오르고 기립박수를 받을 때 눈물이 나더군요. 그다음은 눈이 나빠졌을 때예요. 여러 병원에 다녔는데 방법이 없다니 실망스러워 울음이 났습니다.”송 배우는 모두가 난타의 해외 진출에 고개를 저었을 때도 배우, 스태프들과 끊임없이 의욕을 다지며 ‘공통의 꿈’을 현실로 만들었다. 바로 앞 사람조차 알아보기 힘들어졌을 때도 그는 굴복하지 않았다. 하룻밤 자고 일어나 “그래도 하늘은 보이니 감사한 일”이라며 다음 할 일을 찾았다고 한다. 그런 자기 인생을 송 배우는 “미리 대본을 읽었다면 (출연을) 거절했을 드라마”라고 했다.“제 인생은 우여곡절이 너무 많아 개연성과 리얼리티가 없어요. 나이 먹으면 힘들었던 일이 조금은 밝게 채색되잖아요. 굳이 과거의 힘든 순간을 전부 되살리고 싶진 않은 마음이죠.”60년을 돌아보는 전시지만 송 배우는 따로 개막식도 개막 인사도 준비하지 않았다. 그저 매일 오후 전시장에 머물며 그간 출연·제작한 약 200편의 작품을 함께한 이들을 맞이하려 한다. ‘그래도 정리하는 한마디가 있으면 좋지 않겠느냐’는 질문에 “겨울에 공연할 거니까 보러와, 이 한마디면 충분하다”고 했다“이제 복잡한 건 제쳐 두고, 자신에게 좀더 가까워질 수 있는 배우를 하다 죽고 싶다”는 그가 가장 애착이 가지는 역은 뭘까. 주저없이 ‘유리동물원’의 톰과 ‘더 드레서’의 극단 대표 겸 노배우 선생님(Sir)을 꼽았다.“꿈이 많은데 가장 노릇을 하느라 집을 벗어나지 못했던 소년 톰. 마지막 공연은 윤여정 선배와 했는데 왠지 톰이 저를 닮아 세 번이나 맡았어요. 지금은 ‘더 드레서’의 노배우가 나와 비슷하다 느껴요.”배우로서 자신의 인생이란 대본은 거절하고 싶다던 송 배우. 그럼 제작자라면 그의 삶은 어떤 공연으로 만들었을까. 그의 답은 단단하고 묵직했다. “글쎄요. 생각해 본 적은 없는데, 극적인 순간도 있긴 한데, 재미가 있을까요. (현실을 긍정하는 이야기?) 아마 그렇겠죠. (토니상을 받은) 뮤지컬 ‘어쩌면 해피엔딩’이 아니라 ‘확실한 해피엔딩’이 된다면 좋겠네요.”김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-12
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  • 화려한 활옷 속 ‘성모자’…파독 간호사의 딸 헬레나 파라다 김 개인전

    빛이 바래고 벗겨진 사진처럼 그림 속 한복이 둥둥 떠 있다. 사진 속 여성은 빨간 치마를 펼쳐 보이며 포즈를 취했지만, 그림 속에서 그는 희미한 흔적만 남았다. 배경엔 삼베 같은 질감만 도드라져 얼핏 동양화처럼 느껴지는 작품. 독일 베를린에서 활동하는 헬레나 파라다 김 작가의 신작 ‘베로니카’다. 한국인 어머니의 가족사진 앨범에서 발견한 사진들에서 얼굴을 지운 ‘한복’ 연작 중 하나다.파라다 김의 개인전 ‘빛이 머무는 시간’이 서울 종로구 초이앤초이 갤러리에서 지난달 개막했다. 김 작가는 한국인 파독 간호사 어머니와 스페인인 아버지 사이에서 태어나 독일에서 자랐다. 아마추어 화가였던 아버지 영향으로 어릴 때부터 유럽 전통 회화 기법을 배웠는데, 이를 한복이나 불화 등 한국적인 소재나 기법과 결합해 그림을 그리고 있다. 어머니가 동료 간호사들과 학 병풍 앞에서 찍은 단체 사진이나 함께 독일로 온 이모들의 모습에서 출발한 작품들을 감상할 수 있다.가장 큰 작품인 ‘스텔라 마리스’는 조선시대 신부의 혼례복인 활옷에 르네상스 시대 그림 속 ‘성모자’를 결합했다. 부부의 금실, 다산, 장수를 상징하는 봉황, 연꽃이 화려하게 수놓아진 활옷 한가운데 그려진 마리아와 아기 예수는 따뜻한 축복의 기운을 극대화한다. 28일까지.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-12
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  • ‘빛의 마술사’와 함께 ‘빛멍’에 빠져볼까

    무언가를 비추거나 드러내기 위한 빛이 아닌, ‘빛 그 자체’를 보려면 어떻게 해야 할까? 11일 한국을 찾은 미국 미술가 제임스 터렐은 이렇게 말했다. “내가 관심 있는 ‘빛’을 재료로 작품을 만들고 싶었지만 딜레마가 있었습니다. 빛은 분명 물리적 실체가 있지만 나무나 금속처럼 조각할 수 없잖아요. 음악가가 원하는 소리를 악기를 통해 만들어 내듯, 빛을 생산하는 악기가 필요했어요.” 터렐은 이런 고민 끝에 다양한 기술을 활용해 텅 빈 곳에 가득 찬 빛 속에 푹 잠기거나, 눈부신 빛의 파장이 먼 곳이 보이지 않도록 뿌연 장막을 만들고, 때로는 신경을 곤두서게 하는 설치 작품으로 ‘빛의 존재감’을 드러내 왔다. 14일 서울 용산구 페이스갤러리에서 개막한 터렐의 개인전 ‘리턴’은 ‘글라스워크’ 연작 4점과 신작 ‘웨지워크’ 등 25점을 선보인다. 터렐은 강원 원주시 뮤지엄 산에 상설 전시관이 있다. 여기서 ‘스카이스페이스’ ‘스페이스 디비전’ 등 대형 설치 작품을 2013년부터 전시해 한국 관객에게도 인지도가 높다. 서울에서 개인전이 열리는 것은 2008년 이후 처음. 갤러리 공간에서 전시하는 만큼 비교적 작은 규모의 작품을 선보인다. 그럼에도 빛에 온전히 빠져들어 몰입하는 경험을 할 수 있는 설치 작품 위주로 전시가 구성됐다.터렐은 11일 간담회에서 “빛의 물리적인 실체를 드러내는 것에 관심이 있다”고 강조했다. 그는 “광자는 (상대론적) 질량이 있고, 빛의 파동은 하나의 형상이기 때문에 빛은 사물이라고도 할 수 있다”며 “다만 빛을 인식하는 우리의 감각은 상대적이고, 이런 인식을 통해 우리가 사는 세상의 구조가 만들어진다는 점에서 인식이 중요하다”고 말했다. 그의 신작 ‘웨지워크’를 감상하면 독특한 경험을 할 수 있다. 전시장에 들어서면 앞이 거의 보이지 않는 입구를 지난다. 그다음 붉은빛이 테두리처럼 설치된 공간이 보이는데, 그 속에서 또 다른 조명이 하나씩 켜지면서 공간의 형태를 관객은 서서히 인식하게 된다. 20분간 빛은 서서히 변하는데, 이 변화에 따라 빛은 마치 뿌연 연기나 얇은 장벽처럼 보여 ‘빛이 물리적 실체’임을 실감하게 만든다. 터렐은 이에 대해 “빨간색이 뜨겁고 푸른색이 차갑다고 생각하지만, 행성을 볼 때는 푸른 별이 더 뜨겁고 붉은 별이 더 차갑다. 뜨거운 별일수록 파장이 짧은 빛을 내기 때문”이라고 했다. 그러면서 “평소에 익숙하지 않았던 빛을 경험하며 어지러움을 느끼다가 그 낯섦을 견디면 긍정적인 느낌을 받으면서 새로운 것을 얻게 된다”고 덧붙였다. 전시장에는 터렐이 미 애리조나 플래그스태프 인근에서 만들고 있는 대형 전시관 ‘로든 크레이터’에 관한 판화도 전시된다. 2014년 뉴욕 솔로몬 구겐하임 미술관에서 선보인 설치 작업 ‘아텐 레인’을 판화로 재현한 작품도 만날 수 있다. 터렐은 간담회 막바지에 하고 싶은 말이 있다는 듯 손가락을 들어 올리더니 이렇게 말했다. “아시아의 가장 강력한 문화가 한국에서 일어나고 있습니다. K팝, 클래식 음악은 물론이고 다양한 분야에서 한국인들이 한계에 도전하고 있죠. 저는 그런 문화를 사랑하는 사람 중 하나입니다. 빛과 예술을 사랑하는, 그저 빛 한 조각을 전하고 싶었던 평범한 예술가로 저를 봐주기를 바랍니다.” 9월 27일까지.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-12
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  • 수북한 산딸기가 마음을 울릴 때[김민의 영감 한 스푼]

    새빨간 산딸기가 산처럼 쌓여 있습니다. 제철을 맞아 물이 오른 산딸기가 그득한 바구니 아래 종이처럼 하얀 카네이션 두 송이가 놓여 있네요. 흰 카네이션이 조명처럼 밝혀주는 ‘산딸기 산’은 촉촉한 윤기로 반지르르 빛이 납니다. 하나 꺼내어 입에 넣으면 새콤한 맛이 팡팡 터질 것 같은 광경. 작가는 이 그림을 보고 나도 모르게 입안에 침이 고일 사람들의 마음을 알아차렸는지 유리잔에 물을 담아 그려 놓았습니다. 보는 사람의 몸과 마음을 움직이는 그림, 프랑스 화가 장 바티스트 시메옹 샤르댕(1669∼1779)의 ‘산딸기 바구니’입니다.일상의 감칠맛을 담은 화가 샤르댕은 18세기 프랑스 화가로 동물과 과일을 소재로 한 정물화로 인정을 받기 시작했습니다. 솜씨가 좋은 목수의 아들로 태어난 샤르댕은 소박한 환경에서 자랐지만 평생 대부분을 파리에서 보냈습니다. 그런 그가 그림에 담은 것은 일상에서 누구나 발견하는 과일이나 컵, 물병 같은 물건들 혹은 부르주아나 노동 계층의 삶 속 순간을 담은 풍속화였습니다. 당시 프랑스 미술계에서 정물화는 실력이 낮은 화가들이 그리는 것으로 여겨졌습니다. ‘살롱전’을 통해 화가들에게 상을 주고 일할 기회를 줬던 권력 기관인 아카데미는, 가장 높은 점수를 받은 화가에게 역사화나 초상화를 맡겼습니다. 그 다음이 정물화나 풍경화였죠. 그럼에도 샤르댕은 이례적으로 아카데미 정식 회원으로 인정받고 왕실과 귀족 컬렉터들에게 사랑을 받았습니다. 그 비결, 산딸기 그림처럼 샤르댕의 정물은 무언가 달랐기 때문입니다. 정물화가 인기를 끌었던 네덜란드의 그림 속 화려한 위세를 뽐내는 총천연색 화병이나 테이블 위에 가득한 온갖 음식들의 탐스러운 모습과 비교하면 샤르댕이 그린 물건들은 소박하기 짝이 없습니다. 투명한 유리잔과 마늘 몇 알, 갈색 도자기 물병이 전부인 그림도 있고요. 그림 한가운데 삭힌 홍어가 축 늘어져 있고, 이 흐름이 테이블에 툭 하고 걸친 리넨 천으로 이어지는 경우도 있습니다. 다시 말해 샤르댕의 정물은 탐스럽고 화려한 무언가를 자랑하기보다는, 그림 속에서 각기 다른 질감을 부딪치게 만들며 리듬을 만들고 한 편의 음악처럼 생기를 불어넣습니다. 가벼운 유리잔과 무거운 도자기, 냄새 나는 홍어와 깨끗한 리넨, 그 옆에 꼬리를 바짝 세운 새끼 고양이처럼 말이죠. 이런 샤르댕의 표현 방식을 저는 ‘일상의 감칠맛’이라고 느낍니다. 샤르댕을 좋아하며 자주 언급했던 소설가 마르셀 프루스트도 이런 말을 남겼습니다.“샤르댕의 그림을 보기 전까지 나는 부모님 집의 반쯤 치워진 식탁, 흐트러진 식탁보 한 귀퉁이, 빈 굴 껍데기 옆에 놓인 칼 같은 곳에 얼마나 많은 아름다움이 숨어 있는지 몰랐다.”마음을 뒤흔드는 산딸기 샤르댕의 정물화는 현대로 와서 더 많은 사랑을 받고 있습니다. 특히 산딸기 그림은 2022년 프랑스 파리의 한 경매에서 예상가를 훌쩍 뛰어넘은 2400만 유로(약 376억 원)에 낙찰됐는데요. 낙찰자가 미국 미술관이란 사실이 알려지면서 프랑스 정부가 그림 반출을 막아 뉴스가 되기도 했습니다. 이후 루브르박물관이 대중 모금을 받아 2년 만에 그림 대금을 마련했고, 지난해 초 산딸기 그림을 매입하면서 이 그림은 프랑스에 남았습니다. 18세기 사람들이 보면 “‘루이 14세 초상’도 아니고, ‘예수의 탄생’도 아닌 고작 산딸기 그림에 376억 원이라니!” 하고 놀랐을까요? 물론 루이 14세 초상이나 유명 화가가 그린 종교화가 지닌 역사적 가치가 훨씬 높지만, 산딸기 정물이 그에 버금가는 대중적 명성을 갖고 대접받게 된 현상은 흥미롭습니다. 작품의 가치를 결정하는 것은 그것의 ‘내용’이 아니라, 그 작품이 얼마나 많은 사람의 마음과 ‘연결’돼 있느냐고, 이 ‘연결’에 따라 작품의 가치가 달라지기도 한다는 것을 보여주기 때문입니다. 역사화나 왕실 초상화가 높은 가치를 지닌다고 여겼던 과거의 사람들은 전쟁이나 영웅 서사 같은 커다란 사건과 인물이 세상을 움직인다고 생각했습니다. 또 아카데미 심사위원들이 ‘살롱전’이 열릴 때 심사해서 좋다고 선정한 작품이 절대적으로 가치가 있는 작품이라고 받아들였고요. 그런데 사회가 바뀌고 개인마다 각자의 가치관을 지니게 되면서, 그 기준은 달라집니다. 프루스트는 소설 ‘잃어버린 시간을 찾아서’에서 주인공이 마들렌을 차에 적셔 먹다 어린 시절 기억이 무의식적으로 되살아나는 경험을 중요하게 묘사하죠. 샤르댕과 프루스트 같은 예술가들은 개인의 삶에선 전쟁이나 영웅보다 내 눈앞에 놓여 있는 새콤한 산딸기 하나가 더 크게 마음을 뒤흔들 수 있다는 걸 보여주고 있습니다. 흔히 화가는 그림을 잘 그리는 사람이라 생각하기 쉽지만, 사실은 ‘마음을 흔드는’ 예술가가 수백 년 전부터 성공하고 귀한 대접을 받아왔습니다. 산딸기를 카메라가 기록한 듯 꼼꼼하고 충실하게 표현하는 것만으로는 충분하지 않다는 이야기입니다. 오히려 그림을 통해 생생한 ‘마음’을 느끼게 만드느냐가 중요하죠. 흰 카네이션과 유리잔이 산딸기의 촉촉한 질감을 극대화하는 샤르댕의 그림을 보는 사람은 “아 저건 산딸기네”라고 하는 게 아니라, “저 산딸기 정말 먹음직스럽다”고 군침을 흘립니다. 샤르댕의 ‘산딸기 바구니’를 프랑스의 소중한 문화유산으로 만든 건 이렇게 딸기 하나로 뒤흔들린 여러 사람의 ‘마음’입니다.※뉴스레터 ‘영감 한 스푼’은 매주 목요일 오전 7시에 발송됩니다. QR코드를 통해 구독 신청을 하시면 e메일로 받아 보실 수 있습니다. 김민 문화부 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-11
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  • ‘빛’ 그 자체에 주목…제임스터렐이 조각한 빛을 만나보세요

    무언가를 비추거나 드러내기 위한 빛이 아닌, ‘빛 그 자체’를 보려면 어떻게 해야 할까? 11일 한국을 찾은 미국 미술가 제임스터렐은 이렇게 말했다.“내가 관심 있는 ‘빛’을 재료로 작품을 만들고 싶었지만, 딜레마가 있었다. 빛은 분명 물리적 실체가 있지만 나무나 금속처럼 조각할 수 없다. 음악가가 원하는 소리를, 악기를 통해 만들어 내듯, 빛을 생산하는 기술이 필요했다.”이런 고민 끝에 다양한 기술을 활용해 텅 빈 공간에 가득 찬 빛 속에 푹 잠기거나, 눈부신 빛의 파장이 먼 곳이 보이지 않도록 뿌연 장막을 만들고, 때로는 신경을 곤두서게 하는 설치 작품으로 ‘빛의 존재감’을 드러내 온 터렐의 신작이 한국을 찾았다. 14일 서울 용산구 페이스갤러리에서 개막하는 터렐의 개인전 ‘리턴’은 ‘글라스워크’ 연작 4점과 신작 ‘웨지워크’ 등 총 25점을 선보인다.터렐은 강원도 원주 뮤지엄 산에 상설전시관이 있다. 이 공간에서 ‘스카이스페이스’, ‘스페이스 디비전’등 대형 설치 작품을 2013년부터 전시해 왔기 때문에 한국 관객에게도 인지도가 있다. 서울에서 개인전이 열리는 것은 2008년 이후 처음으로, 갤러리 공간에서 전시하는 만큼 작은 규모의 작품을 선보인다. 그럼에도 빛에 온전히 빠져들어 몰입하는 경험을 할 수 있는 설치 작품 위주로 전시가 구성됐다.터렐은 이날 기자간담회에서 “빛은 물리적인 실체이고 이 자체를 드러내는 것에 관심이 있다”고 강조했다. 그는 “광자 안에는 질량이 존재하고 빛의 파동은 하나의 형상이기 때문에 빛은 사물이라고도 할 수 있다”고 설명했다. 그러면서 “다만 빛을 인식하는 우리의 감각은 상대적인 것이고, 이런 인식을 통해 우리가 사는 세상의 구조가 만들어진다는 점에서 인식이 중요하다”고 말했다.그런 그의 말처럼 신작 ‘웨지워크’를 감상하면 독특한 경험을 할 수 있다. 처음 전시장에 들어서면 앞이 거의 보이지 않는 어두운 입구를 지나게 된다. 그다음 붉은빛이 테두리처럼 설치된 공간이 보이는데, 그 속에서 또 다른 빛이 하나씩 켜지면서 이 빈 공간의 형태를 관객은 서서히 인식하게 된다. 20분 간이 공간에 비치는 빛은 서서히 변하는데, 이 변화에 따라 빛이 마치 뿌연 연기처럼 보이기도, 얇은 장벽처럼 보이기도 한다. ‘빛이 물리적인 실체’라는 터렐의 말을 직접 체험해 볼 수 있다.터렐은 “빨간색이 뜨겁고, 푸른색이 차갑다고 생각하지만, 행성을 볼 때는 푸른 별이 더 뜨겁고 붉은 별이 더 차갑다. 빛의 주파수 간격이 짧을수록 온도가 더 뜨겁기 때문”이라고 설명했다. 그러면서“평소에 익숙하지 않았던 빛을 경험하며 어지러움을 느끼다가 그 낯섦을 견디면 긍정적인 감정을 갖게 되고 무언가 얻게 되는 것이 있다”고 덧붙였다.전시장에서는 터렐이 애리조나 플래그스태프 인근에서 만들고 있는 대형 전시관 ‘로든크레이터’에 관한 판화와 드로잉도 함께 전시된다. 또 2014년 미국 뉴욕 솔로몬 구겐하임 미술관에서 선보인 설치 작업 ‘아텐레인’을 판화로 재현한 작품도 만날 수 있다. 전시는 9월 27일까지.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-11
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  • [책의 향기]유전자 속에 차곡차곡 기록된 생존의 역사

    책 ‘이기적 유전자’로 유명한 진화생물학자 리처드 도킨스의 신작. 이번엔 유전자가 ‘살아있는 역사책’임을 강조하는 책을 출간했다. 유전자가 단순히 생물의 형질을 결정하는 요소가 아니라 조상들이 겪어 온 환경과 생존 전략, 적응의 역사를 기록하고 있다는 관점을 제시한다. 그는 현대 생명체의 유전자를 ‘팔림프세스트(palimpsest)’라고 설명한다. 팔림프세스트란 여러 차례 글씨가 적힌 양피지를 말하는데, 고대와 중세에는 양피지가 매우 비쌌기 때문에 이미 글이 쓰인 양피지에 글씨를 지우고 새로 덧써서 재활용했다. 역사가들은 이러한 오래된 양피지를 자외선이나 X선으로 촬영해 지워진 글씨들을 읽어내면서 과거의 흔적을 파헤친다. 이런 다층적 기록이 남은 양피지, 팔림프세스트와도 같은 유전체를 분석하면 그 종이 어떤 환경에서 살아남고 적응하며 진화했는지를 읽어낼 수 있다. 이를테면 다른 새의 둥지에 자신의 알을 몰래 낳는 ‘탁란’ 행위를 하는 뻐꾸기의 비밀도 유전자로 읽을 수 있다. 암컷 뻐꾸기들은 자신이 자란 둥지의 새를 정확히 기억해 같은 종의 새 둥지에 비슷한 알을 낳는다. 이는 알의 색과 무늬를 결정하는 유전자가 암컷의 염색체에 있기 때문이며, 뻐꾸기의 유전체를 분석하면 그 종이 대대로 어떤 새의 둥지에 알을 낳았는지를 파악할 수 있다는 설명이다. 또 북미의 터키대머리독수리와 유라시아 독수리는 유전적으로 매우 거리가 먼 동물들이지만, 비슷한 환경에 적응하면서 비슷한 외형과 행동을 갖게 됐다. 이는 유전체가 생물의 모양이나 행태를 결정하고 지시하는 정해진 ‘설계도’가 아니라 외부 환경과 영향을 주고받으며 변화하는 것임을 보여준다. 따라서 유전체에 기록된 여러 흔적을 분석하는 것은 과거의 생태와 진화사를 해독하는 일이 된다. 도킨스는 유전체 해독 기술이 발전하면 화석이나 유물보다 더 정밀하게 과거를 복원할 수 있다고 전망한다. 그는 유전자가 개체와 종이 사라져도 세대를 넘어 이어지는 ‘불멸의 정보’임을 강조한다. 유전자 해독을 통한 ‘유전적 고고학’의 미래를 특유의 명확한 문체와 풍부한 사례, 일러스트로 제시했다.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-07
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  • 있어도 없었고 죽어도 못떠난 그들의 ‘초상’

    가정폭력을 피해 자식도 두고 집을 떠난 배명순. 남편의 추적을 피하려 가명 정순임으로 사는 그를 고용한 박 사장은, 그의 불안한 신분을 악용해 월급을 마음대로 깎으려고 한다. ‘내 속을 알면서 왜 그러시냐?’는 배명순의 호소에 박 사장은 능글맞게 쏘아붙인다.“내가 당신 속을 어떻게 알아? 누가 들으면 내가 건드린 줄 알겠네….” 배명순 앞에 펼쳐진 비정한 세상에 관객의 마음이 무거워지려는 찰나, 무대 위에 있던 분장사가 어이없는 대사를 외친다.“더러운 새끼. 역할을 맡아도 꼭 더러운 거만….” 그러자 갑자기 박 사장을 연기하던 배우도 역할에서 빠져나온다. “나도 이 대사 빼자고 연출한테 몇 번을 말했다. 이래서 우리집 애들이 연극을 보러 오겠냐”며. 객석에선 웃음이 터져 나온다. 지난달 30일 서울 세종문화회관 S씨어터에서 개막한 ‘유령’은 어디까지가 연극인지 헷갈리는 작품이다. 무대 안과 밖의 ‘이중 서사’가 동시에 전개되기 때문이다. 서울시극단 예술감독인 고선웅 연출이 14년 만에 발표한 창작극이다. 고 연출은 ‘무연고자’들의 이야기를 다룬 신문 기사에서 영감을 얻었다고 한다. 무연고자는 법적 연고자가 없거나 연고자가 시신 인수를 거부해 장례를 치르지 못하는 이들을 일컫는다. “너무 아픈 이야기라서 무거운 서사만 떠올랐다”는 고 연출은 떠돌이로 살다 숨진 뒤 시신 안치실에서 ‘유령’이 된 배명순의 서사와 무대 위에서 배역 없이 떠돌아다니는 배우 ‘유령’들의 서사를 겹쳐 보기로 했다. 이러다 보니 독특한 상황은 무대에서 계속해서 이어진다. 배명순이 남편에게 맞는 장면을 보면, 분장사가 무대에 함께 등장해 멍 분장을 해준다. 분장사를 맡았던 배우는 경찰 역할이 돼 남편 오 씨를 비난하기도 한다. 이런 이중 서사는 당연히 관객의 몰입을 방해할 터. 그런데 이런 산만함이 역설적으로 슬픔은 덜고 유쾌함은 더한다. 독특한 방식으로 연극을 편하게 감상하는 분위기를 만드는 셈이다. 다만 그만큼 배명순이란 무연고자 유령의 서사는 다소 압축적으로 다뤄진다. 인간으로서 존중받아 마땅한 이들의 이야기를 알리고 위로하고 싶다는 메시지는 연출의 다른 대사로 직접 전달된다. 이러한 메시지가 분장사나 경찰처럼 극 중 ‘난입하는’ 인물을 통해 서사로 표현됐다면 어떨까 아쉬움이 남는다. 그 대신 마지막에 배우들의 몸을 본뜬 시신이 등장하고, 각 배우들이 죽은 자신에게 말을 건네는 장면은 무척 강렬하다. 그런 의미에서 ‘유쾌한 장송곡’이란 마무리는 매우 인상적이다. 22일까지.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-06
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  • ‘몽환적 색감의 풍경화’ 伊살보 국내 첫 개인전

    최근 수년간 아시아 컬렉터들에게 사랑받고 있는 이탈리아 예술가 살보(1947∼2015)의 개인전이 지난달 29일 서울 강남구 글래드스톤 갤러리에서 개막했다. 그간 살보의 작품은 주로 홍콩 경매장이나 아트페어에서 볼 수 있었는데, 국내에서 개인전이 열린 건 처음이다. 살보의 유족이 설립한 ‘살보재단’과 협업한 전시는 1988∼2015년 작가가 그린 풍경화를 소개한다.살보는 1970년대 초반까지는 이탈리아의 대표적 미술 사조인 ‘아르테 포베라’ 그룹과 활동하며 실험적인 작품을 했다. 아르테 포베라는 ‘가난한 예술’이란 의미로 흙, 나무, 돌, 옷 등 일상적 재료를 활용해 설치 작품을 선보였다. 1973년부터 다시 회화를 그리며 조르조 데 키리코를 연상케 하는 차분하고 몽환적인 풍경화들을 남겼다. 이번 전시에선 고대 그리스와 로마 유적지부터 시칠리아, 노르만, 아랍 양식이 결합한 교회 건축물이 있는 풍경이 단순한 기하학적 도형으로 묘사된 작품들을 볼 수 있다. 다음 달 12일까지.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-05
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  • 시대를 입고 미술관에 온 패션

    빛에 바랜 검은 코트 22벌이 반원형으로 늘어서 있다. 각기 다른 무늬와 색을 품은 코트들은 디자이너 지용킴이 자연광에 옷감을 노출해 무늬를 만드는 ‘선블리치(Sun-Bleach)’ 기법으로 제작했다. 공장식 대량생산으로는 재현하기 힘든 태양과 바람의 흔적이 새겨진 옷들. 마치 세월을 머금은 시계를 연상시킨다. 서울 종로구 일민미술관에서 지난달 30일 개막한 전시 ‘시대복장 Iconclash: Contemporary Outfits(상징 충돌: 현대의 옷차림)’은 제목에서 드러나듯 패션을 주인공으로 했다. 서울을 중심으로 활동하는 패션 스튜디오 ‘지용킴’과 ‘포스트아카이브팩션(파프)’, ‘HYEIN SEO(혜인서)’가 각각의 전시실에서 각자의 디자인과 그것이 만들어지기까지의 과정을 미술관 전시의 문법을 빌려 선보였다. 1전시실에선 지용킴의 검은 코트 22벌과 ‘선블리치’ 기법을 활용한 대형 패브릭, 또 이 기법을 사용하면서 함께 녹이 슬거나 빛이 바랜 작업실의 도구들을 전시했다. 화학약품을 쓰지 않고 몇 주에서 수개월간 시간을 들여 원단에 무늬를 넣는다는 점이 인상적이다. 일민미술관 외벽에 걸린 대형 현수막도 지용킴 스튜디오가 선블리치 기법으로 만들었다. 2전시실의 파프는 ‘기록’에 집중했다. 파프는 옷을 일부러 잘랐다 다시 붙인 것 같은 절개선, 비대칭 디자인, 지퍼나 벨크로 같은 실용적인 소재를 사용하는 것이 특징이다. 전시실에 들어서면 바닥 전체에 ‘의복 패턴’이 깔려 있다. 왼편에는 파프의 옷들이 낚싯줄에 걸린 듯한 형태로 전시돼 있다. 작업 기록 영상을 아치형으로 설치한 12개의 모니터로 선보이는 것도 눈길을 끈다. 혜인서는 3전시실에서 10년 동안 컬렉션을 준비하며 만들었던 디자이너 스케치, 드로잉과 함께 참고 자료와 사진, 책을 캐비닛 여러 대에 나열했다. 디자이너가 아이디어를 얻기 위해 시대나 지역을 가리지 않고 찾아낸 다양한 이미지는 물론이고 소설 같은 텍스트까지 영감의 원천으로 삼고 있음을 보여준다. 캐비닛에 부착된 자료들이 무엇을 뜻하는지는 벽면에 적힌 설명 글을 통해 확인할 수 있다. 패션 디자인은 20세기 초 유럽에서 아방가르드 예술 운동이 일어나면서 장식·기능적 목적을 넘어서 사회·철학적인 메시지를 담기 시작했다. 프랑스에선 1930, 40년대에 20세기를 대표하는 여성 패션 디자이너 중 한 명인 엘사 스키아파렐리(1890∼1973)가 살바도르 달리 등과 협업해 대표작 ‘랍스터 드레스’ 등을 만들며 인간의 무의식을 패션으로 표현하기도 했다. 1990년대 ‘패션계의 악동’으로 불렸던 영국 디자이너 알렉산더 매퀸(1969∼2010)은 ‘한니발’ 같은 폭력적이고 충격적인 주제를 다룬 디자인과 쇼를 통해 젠더나 계급 문제를 소환해 찬사받았다. 매퀸은 사후에 빅토리아앤드앨버트 뮤지엄에서 회고전이 열렸을 정도로 미술계에서도 높은 평가를 받았다. 이런 맥락에서 일민미술관의 ‘시대복장’전은 요즘 한국에서 활동하는 패션 스튜디오들이 어떠한 창작 과정을 거치고 있는지에 관한 고민과 맥락을 보여주는 데 집중했다. 세 스튜디오는 모두 1980년대 후반∼1990년대 초반 태어난 디자이너들이 이끌고 있다. 이번 전시는 최근 패션 브랜드들이 미술 전시의 문법을 차용해 쇼룸을 꾸미는 현상에서 착안해 반대로 미술관에 패션을 가져와 ‘쇼룸’처럼 만들었다는 점이 인상적이다. 윤율리 일민미술관 학예팀장은 전시 서문에서 “패션과 미술이 공유하는 문화 지형을 그려보고자 했다”고 밝혔다. 7월 20일까지.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-04
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  • 서울 패션 스튜디오들의 창작 과정을 조명하는 ‘시대복장’ 전시 개막

    빛에 바랜 검은 코트 22벌이 반원형으로 늘어서 있다. 각기 다른 무늬와 색을 품은 코트들은 디자이너 지용킴이 자연광에 옷감을 노출해 무늬를 만드는 ‘선블리치(Sun-Bleach)’ 기법으로 제작했다. 공장식 대량생산으로는 재현하기 힘든 태양과 바람의 흔적이 새겨진 옷들. 마치 세월을 머금은 시계를 연상시킨다. 서울 종로구 일민미술관에서 지난 달 30일 개막한 전시 ‘시대복장 Iconclash: Contemporary Outfits(상징 충돌: 현대의 옷차림)’은 제목에서 드러나듯 패션을 주인공으로 했다. 서울을 중심으로 활동하는 패션스튜디오 ‘지용킴’과 ‘포스트아카이브팩션(파프)’, ‘HYEIN SEO(혜인서)’가 각각의 전시실에서 각자의 디자인과 그것이 만들어지기까지의 과정을 미술관 전시의 문법을 빌려 선보였다.1전시실에선 지용킴의 검은 코트 22벌과 ‘선블리치’ 기법을 활용한 대형 패브릭, 또 이 기법을 사용하면서 함께 녹이 슬거나 빛이 바랜 작업실의 도구들을 전시했다. 화학약품을 쓰지 않고 몇 주에서 수개월간 시간을 들여 원단에 무늬를 넣는다는 점이 인상적이다. 일민미술관 외벽에 걸린 대형 현수막도 지용킴 스튜디오가 선블리치 기법으로 만들었다.2전시실의 파프는 ‘기록’에 집중했다. 파프는 옷을 일부러 잘랐다 다시 붙인 것 같은 절개선, 비대칭 디자인, 지퍼나 벨크로 같은 실용적인 소재를 사용하는 것이 특징이다. 전시실에 들어서면 바닥 전체에 ‘의복 패턴’이 깔려 있다. 왼편에는 파프의 옷들이 낚싯줄에 걸린 듯한 형태로 전시돼 있다. 작업 기록 영상을 아치형으로 설치한 12개의 모니터로 선보인 것도 눈길을 끈다.혜인서는 3전시실에서 10년 동안 컬렉션을 준비하며 만들었던 디자이너 스케치와 드로잉은 물론 참고 자료와 사진, 책을 캐비닛 여러 대에 나열했다. 디자이너가 아이디어를 얻기 위해 시대나 지역을 가리지 않고 찾아낸 다양한 이미지는 물론, 소설 같은 텍스트까지 영감의 원천으로 삼고 있음을 보여준다. 캐비닛에 부착된 자료들이 무엇을 뜻하는지는 벽면에 적힌 설명 글을 통해 확인할 수 있다.패션 디자인은 20세기 초 유럽에서 아방가르드 예술 운동이 일어나면서 장식·기능적 목적을 넘어서 사회∙철학적인 메시지를 담기 시작했다. 프랑스에선 1930~1940년대에 20세기를 대표하는 여성 패션디자이너 중 하나인 엘사 스키아파렐리(1890~1973)가 살바도르 달리 등과 협업해 대표작 ‘랍스터 드레스’ 등을 만들며 인간의 무의식을 패션으로 표현하기도 했다. 1990년대 ‘패션계의 악동’으로 불렸던 영국 디자이너 알렉산더 맥퀸(1969~2010)은 ‘한니발’ 같은 폭력적이고 충격적인 주제를 다룬 디자인과 쇼를 통해 젠더나 계급 문제를 소환해 찬사 받았다. 맥퀸은 사후에 빅토리아앤앨버트 뮤지엄에서 회고전이 열렸을 정도로 미술계에서도 높은 평가를 받았다.이런 맥락에서 일민미술관의 ‘시대복장’전은 요즘 한국에서 활동하는 패션 스튜디오들이 어떠한 창작 과정을 거치고 있는지에 관한 고민과 맥락을 보여주는 데 집중했다. 세 스튜디오는 모두 1980년대 후반~1990년대 초반 태어난 디자이너들이 이끌고 있다. 이번 전시는 최근 패션 브랜드들이 미술 전시의 문법을 차용해 쇼룸을 꾸미는 현상에서 착안해, 반대로 미술관에서 패션을 가져와 ‘쇼룸’처럼 만들었다는 점이 인상적이다. 윤율리 일민미술관 학예팀장은 전시 서문에서 “패션과 미술이 공유하는 문화 지형을 그려보고자 했다”고 밝혔다. 7월 20일까지.김민 기자 kimmin@donga.com}

    • 2025-06-03
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