호프마이스터 비올라 협주곡 D장조

호프마이스터 (1754~1812)는 음악계에 독특한 공헌을 한 인물입니다. 작곡가로서 오늘 감상하게 될 비올라협주곡을 쓰기도 했지만, 그보다는 악보 출판사를 운영해 수많은 명작곡가들의 작품을 출판했죠. 하이든, 모차르트, 베토벤 등 빈 고전파의 3대 대가가 모두 그의 출판사에서 작품을 펴냈습니다. 피아노 레슨을 받으면서 한번씩 꼭 거쳐가는 ‘소나티네집’의 작곡가 클레멘티도 그의 고객이었죠. 옛날 작품의 정리에도 열의를 쏟아 바흐의 건반음악 전곡을 처음 정리해서 악보집으로 내놓기도 했습니다.

그가 살았던 고전주의 시대는 작곡가의 개성보다 작품의 표준적인 ‘틀’이 중요하게 생각되던 때였죠. 그의 비올라 협주곡도 작곡가의 독특한 스타일이 드러난다기 보다는 그와 같은 시대를 살았던, 또는 그가 악보를 출판해주었던 모차르트나 하이든의 협주곡을 생각하게 하는 면이 큽니다.

비올라는 바이올린보다 크고 첼로보다 작은 악기죠. 그래서 뚜렷한 개성을 찾기 어려운 면도 있습니다. 그렇지만 호프마이스터는 빠른 악장에서 비올라를 바이올린처럼 활달하게 울리게 하고, 느린 악장에서는 첼로처럼 깊이 있게 울리게 해서 이 악기의 다재다능한 매력을 잘 나타내고 있습니다.

쇼스타코비치 첼로 협주곡 1번

16년전 소련이 붕괴됐습니다. 이로서 공산주의가 세계의 절반을 지배하던 시대는 완전히 막을 내렸죠. 소련 역사상 가장 위대한 작곡가는 누구였을까요? 그는 바로 드미트리 쇼스타코비치 (1906~1975)였습니다.

쇼스타코비치는 소련 정부가 소리 높여 외국에 자랑하는 음악가였습니다. 그런 그가 행복했을까요? 아닙니다. 정부가 ‘작곡 방향이 잘못됐다’고 야단치면 반성문도 쓰고, 정부가 ‘정책을 찬양하는 작품을 써내라’고 하면 그런 주문도 들어야 했습니다.

무엇보다 놀라운 것은, 그런 가운데서도 그가 자신의 예술적 ‘소신’을 굽히지 않았다는 겁니다. 그는 정부의 말을 듣는 척 하면서 자기가 쓰고 싶은 대로 썼습니다. 그러기 위해서 그는 음악적 ‘풍자’를 사용해야 했습니다. 그래서 그의 음악은 뭔가 뒤틀리고, 꼬집고, 야유하는 것 같은 느낌이 짙게 듭니다. 그가 비교적 나이들어서 쓴 이 첼로협주곡도 마찬가지입니다. 이 작품은 1959년 쇼스타코비치가 제자인 첼리스트 므스티슬라프 로스트로포비치를 위해 작곡했습니다. 로스트로포비치는 나중에 서방으로 탈출했고 첼리스트 장한나의 스승이 되죠.

이 협주곡은 쇼스타코비치 자신의 이름에서 딴 D-S-C-H 음이 첫 악장의 중심 주제가 됩니다. 우리 식으로는 나-내림마-다-사가 되는군요. 이 주제를 중심으로 펼쳐지는 느낌은 기계적이고 위협적으로까지 느껴집니다. 길지 않은 작품이지만 바흐 시대의 작곡 기법부터 현대 스타일까지 다양한 작곡 방법이 다채롭게 전개됩니다.

아루티우니안 트럼펫 협주곡 A플랫

아루티우니안은 지금도 살아있는 작곡가입니다. 1920년생이니까 87세가 됐네요. 이 분은 아르메니아 사람입니다. 아르메니아는 코카서스 산맥에 있는 작은 나라죠. 지대가 높고 산이 수려하기로 이름 높습니다. 옛날부터 사람들은 주로 양을 방목하며 살았죠. 마냥 평화로울 것 같지만 아픔도 있었습니다. 이 나라는 1991년까지 소련의 일부였습니다. 소련에 병합되기 전에도 터키와 러시아 사이에서 축구공처럼 차이며 살았습니다. 그래도 풍부한 전설과 민요가 살아있는 수준높은 문화의 나라랍니다.

아루티우니안이 쓴 이 트럼펫 협주곡은 ‘음유시인’의 즉흥연주에서 영감을 얻은 곡입니다. 음유시인? 중세시대에 노래를 부르며 이 마을 저 마을을 돌아다니던 노래꾼들을 말하죠. 그들의 노래를 본 딴 만큼 이 곡은 자유분방하고 열정적이며, 트럼펫이 낼 수 있는 여러 기교를 화려하게 살리고 있습니다.

다비드 트롬본 협주곡 E플랫장조

음악사에서 페르디난트 다비드(1810~1871)의 이름이 낮익다면 바로 그의 친구였던 멘델스존 덕분입니다. 다비드는 무엇보다 당대의 가장 유명한 독일 바이올리니스트였는데, 멘델스존이 유명한 바이올린 협주곡 e단조를 그에게 헌정했거든요.

다비드는 멘델스존보다 한해 늦게, 쇼팽이나 슈만과는 같은 해에 태어났습니다. 낭만주의 초기 작곡과들과 비슷한 세대죠. 라이프치히 오케스트라에서 바이올린을 연주하면서 멘델스존의 보조 지휘자로 활동을 했어요.

그가 본디 바이올리니스트였지만 오늘 들을 음악은 트롬본을 위한 협주곡입니다. 나팔 부는 흉내를 낼때 양손 주먹을 쥐고 한 손을 앞으로 뻗었다, 뒤로 당겼다 하죠? 그 포즈로 연주하는 ‘나팔’이 바로 트롬본입니다. 손을 앞뒤로 뻗는 것은 관의 길이를 조정해 음높이를 바꾸기 위한 겁니다.

이번에 들으실 트롬본 협주곡은 사실 트롬본을 위해 쓰여진 협주곡 중 가장 사랑받는 곡 중 하나입니다. 그의 동료 바이올리니스트였던 칼 크바이서라는 사람의 부탁으로 썼는데, 이 크바이서는 트롬본 연주도 잘했다는군요. 14분 정도 걸리는 짧은 곡이지만 트롬본이 표현할 수 있는 모든 기교를 효과적으로 나타낼 수 있도록 쓰여져서 1832년 처음 연주될 당시부터 큰 인기를 끌었습니다. 오늘날에는 오케스트라의 트롬본 연주자 시험용 작품으로도 널리 쓰입니다.

시벨리우스 바이올린 협주곡

얀 시벨리우스(1865~1957)는 핀란드의 대표적인 작곡가입니다. 나아가 한 세대 선배인 노르웨이의 그리그와 함께 북유럽의 음악을 대표하는 작곡가이기도 합니다.

핀란드 하면 무엇이 떠오르세요? 자일리톨 껌이 아니라면, 넓은 호수와 빽빽한 침엽수 숲, 그 위로 휘날리는 함박눈 같은 것을 생각하게 될 겁니다. 그런데 시벨리우스의 음악을 들으면 이 같은 풍경이 귀로 느껴지는 듯 합니다. 소리로 자연의 풍경화를 그린 것이지요.

시벨리우스는 바이올린을 썩 잘 연주했다고 하는데, 베토벤이나 브람스, 차이코프스키나 멘델스존처럼 바이올린 협주곡을 단 한곡만 남겼습니다. 38세 때의 작품이었죠. 이 작품에도 앞서 말한 ‘핀란드 자연의 소리’가 깊이 담겨 있습니다.

1악장은 열렬히 뭔가를 소리쳐 호소하는 듯한 바이올린 독주와, 숲으로 세찬 바람이 일렁이는 듯한 관현악이 엇갈리면서 깊은 인상을 나타냅니다. 2악장은 마치 겨울 석양을 바라보면서 털어놓는 외로움의 독백처럼 느껴집니다. 3악장은 어떤 협주곡이나 마지막 악장이 보통 그렇듯이 활발한 춤곡입니다. 그런데 이 협주곡의 춤곡은 핀란드의 민속 춤곡이 아니고 순전히 시벨리우스가 창안해낸 춤곡입니다. 자꾸만 제자리로 돌아가는 것처럼 묘하게 느껴지기도 하는데, 여러분도 마음속으로 호수와 숲의 춤을 함께 추어보실까요.

보테시니 콘트라베이스 협주곡

조반니 보테시니 (1821 1889)의 별명은 ‘콘트라베이스의 파가니니’였습니다. 파가니니는 낯설지만은 않은 이름이죠. ‘바이올린의 귀신’이라고 불렸던 전설적인 바이올리니스트 겸 작곡가가 파가니니였으니까요. 그렇다면 ‘콘트라베이스의 파가니니’는 파가니니가 바이올린을 켜듯 콘트라베이스를 귀신같이 켰던 사람이라는 얘기가 되겠네요.

파트릭 쥐스킨트의 소설 ‘콘트라베이스’를 봐도 보테시니의 이 콘트라베이스 협주곡을 ‘가장 훌륭한 콘트라베이스 용 협주곡’으로 칭찬하는 구절을 볼 수 있습니다.

그렇지만 콘트라베이스가 본디 독주용 악기로 인정받았던 것은 아닙니다. 콘트라베이스는 활로 켜는 악기 중 가장 소리가 낮답니다. 연주하기도 쉽지 않아 보통은 합주에서 저음을 받쳐줄 뿐이지 멜로디를 연주하는 법은 거의 없었습니다. 사실 보테시니도 처음부터 이 악기를 연주하려던 것은 아니었죠. 음악원에 가고 싶은데 다른 악기를 레슨받을 돈이 없어 지원자가 적은 콘트라베이스를 택했다니까요.

그렇지만 보테시니는 어쩔수 없이 운명적으로 택하게 된 ‘자기의 악기’를 기교적으로 최대한 개발해서 대중들의 환호를 받았습니다. 콘트라베이스라는 악기의 역할 자체를 바꾸는 데도 공헌했죠. 그를 비롯한 많은 사람들의 노력에 의해 이제 콘트라베이스는 독주악기로도 사랑을 받고 있습니다.

그의 콘트라베이스 협주곡은 두 곡이 있는데, 먼저 쓰여진 F샤프단조 협주곡은 이 악기가 본디 가지고 있던 한계를 극복하려는 듯 빠르고 활달하게 달려나가는 멜로디들이 인상깊습니다. 느린 악장에서 낭만적이며 심오한 표정도 엿볼 수 있습니다.

리하르트 시트라우스 호른 협주곡 1번

리하르트 시트라우스는 1864년 태어나서 1949년 죽은 독일 낭만파 작곡가입니다. ‘낭만파’ 작곡가로서는 비교적 요즘 사람 같죠? 그렇습니다. 그는 낭만주의 마지막 세대의 작곡가에 해당합니다. 낭만주의 작곡가들은 처음에 꽃향기나 서정시를 연상시키는 고귀한 느낌의 곡들을 써냈죠. 그러다 나중으로 갈수록 뜨겁고 ‘퇴폐적인’ 경향도 나타납니다. 리하르트 시트라우스의 작품을 말할 때도 음악평론가들은 ‘퇴폐적이고 도취적이다’라고 곧잘 얘기한답니다. 그는 특히 오페라나 문학적인 내용을 오케스트라용 음악으로 표현한 ‘교향시’를 즐겨 썼습니다.

그렇지만 그가 쓴 두 곡의 호른 협주곡은 ‘퇴폐’나 ‘도취’같은 것과는 관계가 없습니다. 둘 다 너무 젊어서나 너무 나이 들어 썼거든요. 호른 협주곡 1번은 열 여덟 살 때, 2번은 78세 때의 작품입니다. 무려 60년이라는 시간차이가 있군요. 1번 협주곡은 그야말로 ‘청소년 음악회’에 어울리는, 청소년의 작품이라고 할 만합니다.

이렇게 젊은 작곡가가 다루기도 쉽지 않은 호른이라는 악기를 위해 작품을 썼던 데는 이유가 있습니다. 시트라우스의 아버지는 명 호른 연주자였거든요. 따라서 시트라우스는 어릴 때부터 이 악기의 느낌과 효과를 잘 알수 있었던 거죠.

젊은이의 작품답게 이 협주곡은 밝고 꿋꿋하고 대담한 기상이 느껴집니다. 시트라우스가 젊은 시절 살았던 뮌헨은 아름다운 알프스의 산들이 지평선 아득히 보이는 곳이기도 합니다. 그런 맑고 깨끗한 느낌도 작품에서 느껴볼 수 있습니다.